Mily Possoz

Menina da Boina Verde, 1930, óleo sobre tela de Mily Possoz (1888–1967), Centro de Arte Moderna Gulbenkian, Lisboa

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Paris — Quai Voltaire, 1930-37, óleo sobre tela de Mily Possoz (1888–1967), Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Lisboa

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Senhoras num Jardim, óleo sobre cartão de Mily Possoz (1888–1967), Centro de Arte Moderna Gulbenkian, Lisboa

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Fillette aux Mandarines, gravura a ponta-seca de Mily Possoz (1888–1967), Centro de Arte Moderna Gulbenkian, Lisboa

Ilustração de Mily Possoz (1888–1967) na pág. 18 de O Livro da Segunda Classe, Editora Educação Nacional, Porto (esta imagem contém uma "marca de água" do blog Santa Nostalgia, de onde foi reproduzida, que a página original do livro obviamente não possui)

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Filha de pai e mãe belgas, Mily Possoz foi uma pintora, gravadora e ilustradora nascida nas Caldas da Rainha em 1888. Foi-lhe dado o nome de Emília Possoz, mas a artista decidiu assinar a suas obras como Mily Possoz.

Quando ela era ainda pequena, os Possoz mudaram-se para Lisboa, passando a residir na Lapa, um dos bairros mais requintados da capital portuguesa. A desafogada situação económica da família, o gosto pelas artes e pela cultura por parte dos Possoz e a intensa convivência que estes tiveram com o meio intelectual e artístico de Lisboa possibilitaram o desabrochar das potenciais aptidões artísticas da jovem Mily.

Aos 16 anos de idade, Mily Possoz foi para Paris, cidade onde viveu vários anos e onde travou conhecimento com as vanguardas artísticas do seu tempo. Integrou-se no meio cosmopolita e boémio da capital francesa e tornou‑se uma mulher emancipada e dona do seu destino. Como resultado, Mily sofreu alguns dissabores quando mais tarde regressou a Portugal, porque neste país continuava a imperar uma sociedade patriarcal e conservadora, que mantinha as mulheres em situação de subalternidade.

Mily Possoz era uma pessoa muito ativa. Tanto vivia em Lisboa, como se mudava para Paris, para Sintra, para Bruxelas ou para outra localidade. Fez inúmeros trabalhos nos domínios da pintura a óleo, da aguarela, da gravura, da litografia, da xilogravura, etc. Criou quadros para dependurar na parede, capas de revistas, cenários para peças de teatro, ilustrações para livros e muito mais.

No domínio das ilustrações para livros, é de realçar o livro de leitura para a Segunda Classe do Ensino Oficial do tempo do Estado Novo, em que todas as ilustrações foram da autoria de Mily Possoz. Não nos surpreendamos com o facto. Mily Possoz não foi a única personalidade artística do Modernismo português a sentir-se confortável com a ditadura de Salazar. Mesmo assim, poucos artistas terão ido tão longe como ela foi, ao fazer uma representação eminentemente folclórica dos portugueses, posta ao serviço da ideologia ruralizante do regime político vigente. Salva-se a qualidade artística das ilustrações.

Song For My Father

Song For My Father, um tema de jazz da autoria de Horace Silver, por The Horace Silver Quintet, com Carmell Jones (trompete), Joe Henderson (saxofone tenor), Horace Silver (piano), Teddy Smith (contrabaixo) e Roger Humphries (bateria). Apenas som, gravado em outubro de 1964

“

Convém desde já informar, dado que tem a sua importância, que Horace Silver não é Horace Silver mas sim Horácio Tavares da Silva que nasceu na ilha de Maio, arquipélago de Cabo Verde, em 1939. Diz ele. Foi para os USA, Stan Getz descobriu-o como compositor e pianista e apresentou-o à sociedade, à saciedade. Silver a seguir ingressou na escola que foram os Jazz Messengers e depois tem vivido à custa do seu trabalho com os seus sucessivos grupos. Compôs «Señor Blues», «Doodlin'», «The Preacher» e esta «Song For My Father» entre outras maravilhas. Como pianista é o que se ouve, forte mão esquerda, grande apetência rítmica e um fraseado que popularizou o chamado estilo funky, muito bluesy e imoderadamente negroide. Claro que os ritmos do Brasil o impressionam muito (a quem não!) e são evidentes neste arranjo onde Horace usa o trompetista só para expor e reexpor o tema em uníssono com esse já então esplendoroso Joe Henderson, depois a solo, com mais peito que hoje. Um Silver puro, um clássico de raça.

”

José Duarte (1938–2023)

Elegia II (da Arrábida)

Alta Serra deserta, donde vejo
As águas do Oceano duma banda,
E doutra já salgadas as do Tejo:

Aquela saudade que me manda
Lágrimas derramar em toda a parte,
Que fará nesta saudosa, e branda?

Daqui mais saudoso o sol se parte;
Daqui muito mais claro, mais dourado,
Pelos montes, nascendo, se reparte.

Aqui sob-lo mar dependurado
Um penedo sobre outro me ameaça
Das importunas ondas solapado.

Duvido poder ser que se desfaça
Com água clara, e branda a pedra dura
Com quem assim se beija, assim se abraça.

Mas ouço queixar dentro a Lapa escura,
Roídas as entranhas aparecem
Daquela rouca voz, que lá murmura.

Eis por cima da rocha áspera descem
Os troncos meio secos encurvados,
Eis sobem os que neles enverdecem.

Os olhos meus dali dependurados,
Pergunto ao mar, às plantas, aos penedos
Como, quando, por quem foram criados?

Respondem-me em segredo mil segredos,
Cujas primeiras letras vou cortando
Nos pés doutros mais verdes arvoredos.

Assim com cousas mudas conversando,
Com mais quietação delas aprendo
Que outras que há, ensinar querem falando.

Se pelejo, se grito, se contendo
Com armas, com razão, com argumentos,
Elas só com calar ficam vencendo.

Ferido de tamanhos sentimentos
Fico fora de mim, fico corrido
De ver sobre que fiz meus fundamentos.

Ali me chamo cego, ali perdido,
Ali por tantos nomes me nomeio,
Quantos por culpas tenho merecido.

Ali gemo, e suspiro, ali pranteio;
Ali geme, e suspira, ali pranteia
O monte, e vai de meus suspiros cheio.

Ali me faz pasmar, ali me enleia
Quanto colhendo estou da saudade,
Que por toda esta terra se semeia.

Ora me ponho a rir da vaïdade,
Ora triste a chorar com quanto estudo
Erros solicitei da mocidade.

Tudo se muda enfim, muda-se tudo,
Tudo vejo mudar cada momento:
Eu de mal em pior também me mudo.

Soía levantar meu pensamento
Assentado sobre estas penedias
Duras, eu duro mais nelas me assento.

Punha-me a ver correr as águas frias
Por cima de alvos seixos repartidas,
Que faziam tremer ervas sombrias.

As flores, que levava já colhidas,
Passando pelos vales enjeitava
Por outras doutra nova cor vestidas.

O livre passarinho, que voava,
Cantando para o céu deixando a terra,
Da terra para o céu me encaminhava.

Cuidei que se esquecesse nesta Serra
A dura imiga minha natureza;
Mas donde quer que vou lá me faz guerra.

Oh! quem vira naquela fortaleza
Rodeada de fogo de amor puro,
Daquele amor divino esta alma acesa!

Quão firme, e quão quieto, e quão seguro
No campo se pusera em desafio!
E quão brando sentira o ferro duro!

Mas se agora de mim me não confio,
Se fujo, se me escondo, se me temo,
É porque sinto fraco o peito frio.

Alevantam-se os mares; e pasmo, e tremo:
Vejo vento contrário, desfaleço,
A corrente das mãos me leva o remo.

Confesso minha culpa, bem conheço
Que por mais graves males que padeça
Menos padecerei do que mereço.

Mandais, Senhor, que busque, bata, e peça,
Eu busco, bato, e peço a vós, Senhor,
Sem haver cousa em mim que vos mereça.

Com os braços na Cruz, meu Redentor,
Abertos me esperai, co lado aberto,
Manifestos sinais do vosso amor.

Ah! quem chegasse um dia de mais perto
A ver cos olhos de alma essa ferida,
Que esse coração mostra descoberto!

Esse, que por salvar gente perdida
De tanta piedade quis usar,
Que deu nas suas mãos a própria vida.

A sangue nos quisestes resgatar
De tão cruel, e duro cativeiro,
Vendido fostes vós por nos comprar.

Padecestes por nós, manso Cordeiro,
Pisado, preso, e nu entre ladrões,
Ardendo o fogo posto no madeiro:

Ardam postos no fogo os corações.

Frei Agostinho da Cruz (1540–1619)

A Serra da Arrábida, tal como pode ser vista a meio do caminho que sobe desde o Convento dos Capuchos até ao cume da serra, chamado Alto do Formosinho
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A Jangada da Méduse

A Jangada da Méduse, óleo sobre tela do pintor francês Théodore Géricault (1791–1824), Museu do Louvre, Paris, França

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É muito frequente chamarem "A Jangada da Medusa" a este quadro de grandes dimensões (7 metros de largura por 5 metros de altura, aproximadamente), mas esta palavra Medusa não se refere à figura da mitologia grega decapitada por Perseu, nem ao animal marinho gelatinoso que tem este nome e que também é chamado alforreca. Ela refere-se a uma fragata da Marinha Francesa, que se chamava Méduse e cujo naufrágio provocou forte comoção em França. Para evitar confusões, não se deveria nunca traduzir para português o nome da fragata e chamar sempre ao quadro "A Jangada da Méduse".

No dia 2 de julho de 1816, uma fragata da marinha francesa, chamada Méduse, encalhou num baixio bem conhecido dos navegantes e referenciado na cartografia, o Banco de Arguim, situado a cerca de 30 milhas náuticas (perto de 60 km) da costa da atual Mauritânia. Além da respetiva tripulação, estavam a bordo da fragata por volta de 400 passageiros, mas não se sabe o seu número exato.

Desde o momento em que ficou encalhada, a embarcação foi sofrendo estragos causados pela ondulação marítima. Ainda por cima, dois dias depois do encalhe, a fragata foi atingida por uma violenta tempestade, que lhe provocou danos irreparáveis. Sentindo-se impossibilitados de permanecer no que restava da embarcação, quase todos os ocupantes abandonaram-na, com exceção de 17 marinheiros, que ficaram nos destroços.

Quatro escaleres e duas chalupas fizeram-se então ao mar, com cerca de 233 passageiros a bordo, enquanto outras 149 pessoas se amontoaram numa jangada entretanto feita e que tinha mais ou menos vinte metros de comprimento e sete metros de largura. A jangada deveria ter sido rebocada pelos escaleres e pelas chalupas, mas a forte ondulação e as correntes marítimas que se faziam sentir na zona dificultavam a manobra e tendiam a arrastar o conjunto de embarcações para o mar alto. Para que tal não pudesse acontecer, os cabos que rebocavam a jangada acabaram por ser cortados e esta ficou à deriva com todos os seus ocupantes, enquanto as restantes embarcações se dirigiram para terra.

A tragédia que então se viveu na jangada à deriva ultrapassou todos os horrores. A fome, a sede, as disputas entre náufragos (muitos dos quais acabavam por ser lançados borda fora), o desespero e, até, o canibalismo foram de tal ordem que, quando a jangada foi encontrada doze ou treze dias depois do naufrágio, só nela havia quinze sobreviventes. Destes, quatro ou cinco ainda haviam de morrer a caminho do porto de Saint-Louis, no Senegal.

Foi esta tragédia que o pintor romântico francês Théodore Géricault tentou reproduzir no seu célebre e eloquente quadro "O Naufrágio da Méduse", que está no Museu do Louvre, em Paris, e que acima se reproduz.

Resta acrescentar que, dos 17 tripulantes que foram deixados para trás, agarrados aos destroços da fragata destruída, só três foram encontrados com vida, cinquenta e dois dias depois do naufrágio.

Uma perna perdida

A perna
decapitada pela energia
da explosão
da mina
disse adeus ao dono
e partiu
no fumo

Uma perna
camuflada
rota
escondendo seu pé
numa bota
esburacada
anda pedindo esmolas
pela rua

Leva no sangue
que das suas veias
escorre
o percurso do dono
que recorre
recuando o tempo

Já trepou caminhões
desceu
andou aos empurrões
cresceu
pela parada marchou
subiu
nos gabinetes entrou
fugiu
nos musseques pululou
rugiu
de tristeza chorou
e sumiu

Sumiu dos escombros
do que fora seu tugúrio
uma perna fardada
tomou de assalto a marginal
e desfilou
sonhou!

Sonhou
a perna dilacerada
encostada
no verde do semáforo
apagado
na cidade queimada
Sonhou
de boca aberta
ao pó
dos 4x4 fumegando
luxo e distância

Uma perna
rasga a paz urbana
e viola o sono da seda
que veste o perfume
exalado
de seus ex-camaradas

Decapitada uma perna
pela energia da explosão
vermelha uma lanterna
parindo a luz
do dia

Que se apague para sempre
a penumbra
do olhar!

Roderick Nehone, escritor angolano

Um grupo de valentes sapadoras angolanas, que contribuem para a desminagem do seu país (Foto: Mines Advisory Group)
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Frases de Millôr Fernandes

Desenho de Millôr Fernandes (1923–2012)

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“

Se você agir sempre com dignidade, pode não melhorar o mundo, mas uma coisa é certa: haverá na Terra um canalha a menos.

Viver é desenhar sem borracha.

Como são admiráveis as pessoas que nós não conhecemos bem.

Sim, irmão, o dinheiro não é tudo. Tudo é a falta de dinheiro.

Quem se curva diante dos opressores mostra o traseiro para os oprimidos.

Entre o riso e a lágrima há apenas o nariz.

Acreditar que não acreditamos em nada é crer na crença do descrer.

O dinheiro não é só facilmente dobrável como dobra facilmente qualquer um.

Anatomia é uma coisa que os homens também têm, mas que, nas mulheres, fica muito melhor.

Humorista o quê? Quando tudo é ridículo nada pode ser ridicularizado.

”

Millôr Fernandes (1923–2012), desenhista, humorista, dramaturgo, escritor, tradutor e jornalista brasileiro

Liberdade ou Morte

O Génio da França entre a Liberdade e a Morte, 1795, óleo sobre tela de Jean-Baptiste Regnault (1754–1829). Hamburger Kunsthalle, Hamburgo, Alemanha

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Já passou o dia 14 de julho, em que a França comemora a Tomada da Bastilha, mas ainda evoco essa data para recordar um dos quadros mais icónicos da Revolução Francesa. O quadro original, que tinha cerca de três metros de altura, está dado como perdido, mas resta uma sua versão em pequeno formato, que é a que aqui se reproduz.

O pintor parisiense Jean-Baptiste Regnault foi um entusiástico apoiante da Revolução Francesa e, como tal, resolveu fazer aquela que acabou por se tornar uma das mais significativas pinturas revolucionárias: O Génio da França entre a Liberdade e a Morte.

No centro da composição vê-se uma figura claramente inspirada num fresco de Rafael, que representa o deus Mercúrio e pode ser visto em Roma, na Villa Farnesina. A representação feita por Regnault simboliza o povo francês, alado, de braços abertos e com uma chama sobre a cabeça, pronto a sacrificar-se.

À esquerda, sentada num trono onde se vê uma serpente em círculo mordendo a sua própria cauda, está uma representação da República Francesa. Esta tem uma estrela sobre a cabeça e é acompanhada dos símbolos jacobinos que representam a Liberdade, a Igualdade e a Fraternidade. À direita, encontra-se uma representação da Morte, facilmente reconhecível. Toda esta composição paira sobre a Terra (em baixo), como que significando que os valores da Revolução são universais.

Mercúrio, fresco de Rafael (1483–1520), em que Jean-Baptiste Regnault certamente se inspirou. Villa Farnesina, Roma, Itália

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Taishakuten, uma deidade do budismo japonês

Taishakuten, uma deidade protetora no budismo japonês, que corresponde ao deus hindu Indra. Escultura de madeira do ano 839, de autor desconhecido. Templo Tō-ji, Quioto, Japão
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Masquerade, de Khatchaturian

Suite Masquerade, do compositor arménio Aram Khatchaturian (1903–1978), pela Orquestra Filarmónica de Moscovo dirigida por Igor Manasherov. Esta suite foi composta para uma peça teatral homónima do escritor russo Mikhail Lermontov (1814–1841) e tem cinco andamentos: Valsa, Noturno, Mazurka, Romance e Galope

Zé da Fisga

Um filme publicitário de desenhos animados, feito em Angola por Nando (Fernando Gonçalves) em 1968, para as pilhas, também fabricadas em Angola, de uma marca muito conhecida naquela época

Ao pé dũa alta faia vi sentado

Ao pé dũa alta faia vi sentado,
Num vale deleitoso e bem florido,
A Almeno, pastor triste e namorado.

Outro no mundo pôde haver nascido
Mui queixoso de Amor; porém não tanto,
Como este amante, por amar perdido.

Já Vénus ia recolhendo o manto
Escuro com que a terra se mostrava,
Pera ajudar de Almeno o triste pranto.

Apolo sobre os montes derramava
Seus dourados cabelos, que faziam
Ao triste inda mais triste do que estava.

As flores por o prado se estendiam;
E das que finas mais eram as cores,
Brancas, roxas, as Ninfas mais colhiam.

Já guiavam seus gados os pastores,
Que deixando-os no campo deleitoso,
Com elas praticavam só de amores.

Mas era esta alegria um perigoso
Estado para Almeno entristecido;
E por isso a deixava pressuroso,

Buscando outro lugar: contra Cupido
Claramente exclamava, e o arguia
De contrário, de astuto e fementido.

De quando em quando a frauta que tangia,
Números dava ao ar tão docemente,
Que as aves provocava a melodia.

Cego assi desta dor, deste acidente,
Com os olhos em lágrimas banhados,
Postos no Céu, dezia tristemente:

Se, Amor, eu te ofendi com meus cuidados,
Porque mos deste tu pera ofender-te,
Quando livre vivia nestes prados?

Não vês quanto me negas merecer-te
O bem que me mostravas, se deixasse
Ferir meu coração pera sofrer-te?

Qual bem me hás dado, Amor, que me durasse?
Ou qual me hás prometido, que hajas dado?
Ou qual deste, que muito não custasse?

Mostra-me quem pusesse em tal estado,
Que pudesse viver de ti contente,
Ou quem de ti não fosse lastimado?

Inimigo cruel de toda a gente,
Já não quero teu bem, só meu mal quero;
Se de ti nem meu mal se me consente.

Inda que de teus bens já desespero,
Não desprezo dos males o tormento;
Antes o prezo mais, quando é mais fero.

Arrebatado deste pensamento
Ia o triste pastor com um contino
Pranto, que lhe avivava o sentimento.

Quando entrou num vergel de esmalte fino,
Que era de Amor plantado; e parecendo
Lhe está menos humano que divino.

Nele a dor sua esteve suspendendo:
Porém não, como cervo, está ferido,
Repara ao mal que leva pretendendo.

Aparecia o sítio tão florido,
Que provocava a não vulgar espanto,
Entre uns altos ulmeiros escondido.

Dum cristalino orvalho tinha o manto,
Quando entrou nele o mísero pastor,
E as tenções explicou neste seu canto:

Ó belas rosas, vós que sois amor,
É por dita humildade, ou é baixeza,
O ter a par de vós murta, que é dor?

Papoulas conversais, que são tristeza!
Não desprezais o cardo, que é tormento!
Admitis a hortelã, sendo crueza!

Dos goivos longe vejo o sentimento;
Dos jasmins perto estou vendo o perigo;
Dos malmequeres vejo o sofrimento.

Deste me temerei como inimigo;
Mas traz por armas salva, que é razão:
Com ela acabará também comigo.

As minhas vêm a ser ũa afeição,
Que são os puros cravos misturados
Coa vontade sujeita, que é limão.

Ai mosquetas, que sois de amor cuidados!
Ai crespa manjerona, que és prazer!
Vós sós devíeis adornar os prados.

Não podem dous opostos juntos ser:
Onde se põe giesta, que é lembrança,
Junto do rosmaninho, que é 'squecer?

Bem pesa do leve álamo a mudança;
Do roxo goivo anima o pensamento,
Do cipreste odorífero a esperança.

O trevo, que é sentido apartamento,
Cerca o manjericão, que se interpreta
Memória a quem ofende o esquecimento.

Mais importuna que o jardim de Creta,
A ameixieira a flor está soltando:
A segurelha vejo, que é discreta.

As ervas que daqui irei tomando,
São a pura cecém, que é saudade;
Cravos, medo de ver qual de amor ando.

E, de ter mui perdida a liberdade,
Tomarei madressilva entendimento;
Legação tomarei, porque é verdade.

Marmeleiro me dá arrependimento:
Por a salva, que é gosto, tomarei
Coentro oposto ao meu contentamento.

Conhecimento firme nunca achei,
Que violetas são; e, quando o houvera,
Qual meu dano então fora, bem o sei.

Oh quem, erva cidreira, oh quem pudera
Ver-vos aqui menor, pois sois vitória,
Que de mim alcançou chama severa!

Mas se quereis que tenha algũa glória,
Por galardão de amar e ser sujeito,
Perderei de tormentos a memória.

Porém, pois mo negais, de todo enjeito
A palma, que é ventura; e na parreira,
Que é 'sperança perdida, me deleito.

Entretanto coa flor da laranjeira,
Que é desafio duro e arriscado,
Posso arguir da hora derradeira.

Já não se quer deter o meu cuidado
Com a romã descanso; a brevidade
Das maravilhas só tem desejado.

E vós, ovelhas minhas, sem piedade
Vos apartai de mim, se algum desejo
Tendes de ter do pasto mais vontade.

Se muita de me verdes em vós vejo,
Toda a minha de ver-vos hei perdido
À força do poder de amor sobejo.

Lograi do Tejo o plácido ruído;
Sós lograi estas veigas florecidas:
Pois se perde o pastor vosso querido,

Não gosteis de com ele ser perdidas.

Luís Vaz de Camões (1517?? 1524? 1525? – 1580)

Uma faia (Fagus sylvatica) (Foto de autor desconhecido)

Miguel Ângelo Lupi

Retrato da Viscondessa de Castilho, Cândida Castilho, 1874, óleo sobre tela de Miguel Ângelo Lupi (1826–1883), Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Lisboa

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Retrato de D. Pedro V, óleo sobre tela de Miguel Ângelo Lupi (1826–1883), Palácio Nacional da Ajuda, Lisboa

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Retrato de Catraio e Mariana, também conhecido por "Os Pretos de Serpa Pinto", c. 1879, óleo sobre tela inacabado de Miguel Ângelo Lupi (1826–1883), Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Lisboa

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De mãe portuguesa e pai italiano, o pintor Miguel Ângelo Lupi nasceu em Lisboa em 1826 e em Lisboa faleceu em 1883. Frequentou o curso de pintura da Academia de Belas-Artes de Lisboa, mas foi obrigado pela família a matricular-se na Escola Politécnica de Lisboa, com vista a seguir uma carreira no Estado. Trabalhou na Imprensa Nacional, passou dois anos em Angola como funcionário público e regressou a Portugal para trabalhar na Junta de Fazenda Pública e no Tribunal de Contas. Apesar de ter seguido uma carreira profissional no funcionalismo, Miguel Ângelo Lupi nunca deixou de pintar. O retrato que ele fez do rei D. Pedro V, que lhe fora encomendado pelo Tribunal de Contas e que foi muito elogiado, permitiu-lhe partir para Roma com uma bolsa de estudo. Quando regressou a Portugal, tornou-se professor de Pintura Histórica na Academia de Belas-Artes de Lisboa.

Miguel Ângelo Lupi foi essencialmente um pintor do Romantismo, mas também já fez algumas incursões pelo Naturalismo e pelo Simbolismo. Ele foi, sobretudo, um retratista de grande mérito.

A tela Retrato de Catraio e Mariana merece uma atenção especial. Este quadro deve ter sido pintado durante os dois anos em que Miguel Ângelo Lupi viveu em Luanda, tendo ficado incompleto, provavelmente porque o pintor entretanto regressou a Portugal. Um qualquer pintor europeu da sua época — ou mesmo de épocas posteriores — teria pintado um quadro que de certa forma evocasse o exotismo de uma África que muitos europeus viam como «misteriosa e feiticeira». Ora Miguel Ângelo Lupi não fez nada disso. Em vez de representar o pitoresco local ou de fazer um apontamento etnográfico de gentes com costumes diferentes dos seus, Lupi pintou um quadro cheio de humanidade, em que um casal cruza olhares carregados de ternura. Ao pintar esta sua tela, Miguel Ângelo Lupi comportou-se como um africano. A este quadro foi também dado o nome de "Os Pretos de Serpa Pinto", porque Catraio e Mariana tinham sido contratados pelo explorador Serpa Pinto para acompanhá-lo na sua expedição ao interior de África.

Implantes cerebrais

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O sistema nervoso de um ser humano é uma densíssima rede de comunicações, que tem o cérebro como origem e destino de quase todos os sinais que pelo sistema circulam. É o cérebro que quase tudo comanda e é o cérebro que quase tudo decide. O sistema nervoso existe para que o cérebro possa receber as informações de que precisa para ter conhecimento do mundo e da situação em que se encontra, as quais lhe são enviadas pelos órgãos dos sentidos, e para que o cérebro envie os sinais de comando que façam movimentar músculos e ativar ou inibir a produção de hormonas.

Os sinais que circulam pelo sistema nervoso — e que têm origem e destino no cérebro — são sinais elétricos. Para que a informação neles contida consiga chegar ao seu destino, é necessário que os canais que os sinais percorrem (os nervos) não tenham interrupções nem estejam danificados, à semelhança de um fio elétrico que, se estiver partido ou corroído, não deixa passar a corrente que faça acender uma lâmpada.

Os nervos que conduzem os sinais, de e para o tronco e os membros de uma pessoa, unem-se num feixe chamado medula espinal, que percorre o interior da coluna vertebral e, ao longo de toda a coluna, vai tendo ramificações que se dirigem para os órgãos que lhes correspondem. É condição indispensável para que os sinais atinjam o seu destino, que a medula espinal se mantenha intacta e saudável ao longo de toda a sua extensão. Uma doença grave, como pode suceder com a esclerose múltipla amiotrófia, ou uma fratura da coluna interrompem o circuito nervoso que percorre a medula e os sinais perdem-se. Em consequência, a pessoa fica sem sensibilidade e sem movimentos, desde o ponto onde se deu a lesão para baixo. Se a lesão ocorrer ao nível do pescoço, então, a pessoa fica tetraplégica.

Graças aos métodos mais modernos de imagiologia, de entre os quais se destaca a ressonância magnética, tem vindo a ser registado um significativo avanço no conhecimento do cérebro e das funções que são desempenhadas por cada uma das suas partes. Este conhecimento ainda é muito incompleto, mas aumenta a cada dia que passa e já torna possível tentar restaurar algumas das funções biológicas afetadas pela lesão.

Para tal, torna-se necessário abrir uma calote no crâneo da pessoa afetada e ligar um conjunto ordenado de elétrodos diretamente a uma zona específica do seu cérebro. Um computador recebe os sinais captados pelos elétrodos, processa-os no sentido de os "limpar" de distorções e de ruído, e aplica-os a jusante da lesão, onde os nervos os conduzem ao seu destino. Há, contudo, neste procedimento problemas graves que ainda estão por resolver. Um deles é o da rejeição dos elétrodos; o organismo deteta a presença de um objeto estranho no cérebro e o seu sistema imunitário entra em ação contra o objeto. Por outro lado, qualquer abertura no crânio de uma pessoa pode ser uma "porta" de entrada de infeções que, a ocorrerem, irão atingir diretamente o cérebro, com consequências que certamente serão fatais.

Os vídeos que se seguem mostram algumas experiências que recentemente têm sido feitas, no domínio das interfaces cérebro-computador.

Um indivíduo tetraplégico usa a sua mão esquerda para comer

Um homem com esclerose lateral amiotrófica em fase avançada utiliza o pensamento para realizar diversas tarefas

Um homem movimenta um braço robótico como se fosse o seu próprio braço. Ainda por cima, o braço robótico está longe do seu corpo

Este vídeo é desnecessariamente longo. Basta ver uma pequena parte. Ele mostra um homem paralizado a jogar num computador apenas com o pensamento

Noite de São João no Jardim da Quinta da China

Noite de São João no Jardim da Quinta da China, 1908, óleo sobre tela de Aurélia de Sousa (1866–1922). Coleção particular

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A pintora Aurélia de Sousa pertenceu a uma família abastada e viveu durante grande parte da sua vida na chamada Quinta da China, na cidade do Porto. Esta quinta ficava nas imediações da antiga Quinta de Nova Sintra, que é o atual Parque de Nova Sintra, onde está instalada a empresa Águas e Energia do Porto e que pode ser visitado.

No tempo de Aurélia de Sousa, a Quinta da China era um dos espaços mais requintados e privilegiados da cidade do Porto, com uma magnífica vista sobre o Rio Douro e a encosta fronteira de Gaia e possuindo belos e frondosos jardins.

Música fresquinha para os dias de verão

Sloop John B, por The Beach Boys

Tu Vuò Fa' l'Americano, em dialeto napolitano, por Renato Carosone

A Teenager in Love, por Dion & The Belmonts

Poetry in Motion, por Johnny Tillotson

Hello Mary Lou, Goodbye Heart, por Ricky Nelson

Lucky Lips, por Cliff Richard & The Shadows

Uma balada nostálgica de Paul McCartney

Paul McCartney e a banda Wings interpretam Mull of Kintyre, uma balada nostálgica de Paul McCartney e Denny Laine, evocativa de um cabo existente no sudoeste da Escócia, chamado Mull of Kintyre, onde Paul teve uma casa

Bugios e Mourisqueiros

Bugios e Mourisqueiros, sétimo episódio da série televisiva Viagem ao Maravilhoso, de Carlos Brandão Lucas

Já faltam poucos dias para o solstício de verão e, logo a seguir, para o dia de S. João, que é dia de festa em inúmeras localidades portuguesas. Entre tantas localidades onde se festejs o S. João, existe uma em que este santo é celebrado de forma diferente das restantes. Esta localidade é a vila de Sobrado, no concelho de Valongo, que fica a uns escassos 15 a 20 quilómetros da cidade do Porto.

Em Sobrado, no dia 24 de junho (portanto no próprio dia de S. João e não na véspera), são revividas tradições que não costumam aparecer ligadas ao S. João e que mais facilmente associaríamos ao Carnaval, como é o caso dos caretos de Podence, ou ao solstício de inverno, como acontece com o chocalheiro de Bemposta. É a Festa da Bugiada e Mouriscada, também chamada apenas Bugiada.

No vídeo acima, podemos ver uma reportagem sobre a Bugiada e Mouriscada de Sobrado, que foi feita por Carlos Brandão Lucas para a RTP em 1990. A imagem e o som deixam muito a desejar, mas o que importa são os esclarecimentos que nos são dados pelo autor do vídeo, explicando-nos as cenas que nos vão sendo apresentandas.

Segue-se um outro vídeo que é muito mais recente, pois é de 2019, e que nos apresenta um som e uma imagem com uma qualidade incomparavelmente superior, mas não tem palavras. Em Sobrado, o S. João é assim.

Let's Get Lost

Chet Baker canta Let's Get Lost, um clássico do jazz da autoria de Jimmy McHugh (música) e Frank Loesser (letra), com Chet Baker no trompete além ds voz, Russ Freeman no piano, Carson Smith no contrabaixo e Bob Neel na bateria. Gravado em 1955. Apenas som

Quando o 10 de Junho era um dia trágico

Portugal, cerimónias do 10 de Junho entre 1961 e 1974
(Fotos de autores desconhecidos)

Enquanto os filhos dos dignitários do regime eram poupados aos horrores da Guerra Colonial, no 10 de Junho um povo utilizado como carne para canhão era condecorado em pungentes cerimónias oficiais.

Marte desarmado por Vénus

Marte desarmado por Vénus, 1824, óleo sobre madeira do pintor neoclássico francês Jacques-Louis David (1748–1825), Museus Reais de Belas-Artes da Bélgica, Bruxelas, Bélgica
(Clicar na imagem para ampliá-la)

Sem entrarmos em pormenores, podemos dizer que a Revolução Francesa foi um marco fundamental na História da Europa, porque consistiu numa transição extraordinariamente violenta de uma sociedade monárquica e absolutista, dominada pela aristocracia, para uma sociedade republicana e liberal, imposta pela burguesia. No domínio da arte, a Revolução Francesa também foi acompanhada de uma mudança de paradigma, mas não de uma revolução.

Ao longo do séc. XVII, aproximadamente, a arte na Europa tinha entrado num período chamado barroco, um período de exageros e de paixões, exuberante de formas e de linhas, que desejava provocar emoções intensas.

Durante o séc. XVIII, o barroco continuou a existir, exuberante como sempre, mas evoluiu no sentido de maior requinte, delicadeza e luminosidade, mas também no sentido de uma maior superficialidade. A este barroco final dá-se o nome de rococó. Podemos dizer, talvez, que ao rococó, nas artes plásticas, correspondeu um género musical com características galantes, palacianas e lúdicas, mas sempre requintadas em extremo.

Esgotada a fórmula rococó, surgiu na Europa uma nova corrente artística, que poderia ser a arte da Revolução Francesa, mas não foi: a arte neoclássica. O neoclassicismo procurou devolver à arte o rigor e a beleza depurada da Antiga Grécia, contra os excessos do barroco e do rococó. Porém, à arte neoclássica faltou o espírito que animou os grandes artistas da Antiguidade, resultando quase sempre em pinturas e esculturas formalmente irrepreensíveis, sem dúvida nenhuma, mas artificiais e estáticas, sem vida nem chama. Em vez de ser a arte da Revolução Francesa, o neoclassicismo acabou por ser, pelo menos até certo ponto, a arte da França Napoleónica querendo conquistar a Europa.